sábado, 18 de mayo de 2013

THOMAS FEINER & ANYWHEN: The Opiates - Revised (2008)

The Opiates comienza como un viaje: en ´The Siren Songs´ una ansiosa orquesta hace flotar el cautivador
barítono de Thomas Feiner. La perfecta entonación para un álbum que fascina por su belleza, que recuerda a David Sylvian, The Tindersticks o Nick Cave... y que alguna vez estuvo a punto de convertirse en un desastre: la obra había comenzado como un esfuerzo grupal, pero el grupo se disolvió a lo largo de los dos años que llevó su elaboración, obligando a Feiner a terminar el proyecto en solitario. Nacido en Göteborg (Suecia), Feiner fue el líder de Anywhen durante la década del ´90, trabajando con un grupo alrededor de Mikael Andersson Tigerström (bajo), Kalle Thorslund (batería) y Jan Sandahl (guitarra). Su álbum debut ´As We Know It´ se publicó en 1993 y el siguiente (´Anywhen´) en 1996, producido por el percusionista Michael Blair (Tom Waits, Elvis Costello). Originalmente grabado en 2001, The Opiates se convertiría en su tercer -y último- álbum.
En la balada al estilo de Scott Walker ´Dinah and the Beautiful Blue´, Feiner experimenta su registro vocal más bajo, sobre las cuerdas rumiantes de la orquesta sinfónica de la radio de Warsovia. Baladas atmosféricas se combinan elegantemente con canciones más tradicionalmente rockeras como ´Mesmerene´, y los impulsos románticos del álbum suavizan los arreglos intrincados, como el remolino de maderas y la guitarra alucinadora en ´Postcard´.
Esta versión actualizada, re-editada y re-masterizada de The Opiates incluye dos de las composiciones más recientes de Feiner: ´Yonderhead´ y ´For Now´, canción que fue incluida en la banda sonora de la película alemana ´Love in Thoughts´. Para muchos será la primera vez que oigan nombrar a Feiner, y será algunos años después de que David Sylvian escuchara por primera vez el disco que considera un clásico “perdido” ya que sólo se había publicado en unos pocos países.
Sylvian recuerda “La naturaleza oscura, rumiante, romántica de la obra y, particularmente, la gravedad emocional de la voz de Thomas me cogieron por sorpresa ya que estaban bastante alejadas de mis hábitos de escucha en aquella época, pero no pude evitar sumergirme en estos paisajes sonoros de pantalla ancha, rebosantes de colores.”
Edición en la habitual línea exquisita de samadisound, con diseño de Chris Bigg, e imágenes de Jean Cocteau y Marcel Khill, fotografiadas por Cecil Beaton.
(Fuente)


viernes, 17 de mayo de 2013

MARK RIBOT: Silent Movies (2010)

Marc Ribot es un guitarrista y compositor de Newark (New Jersey) muy conocido por su colaboración con dos de los músicos norteamericanos más influyentes de la época moderna: Tom Waits y John Zorn. Yo soy de los que opina que para llegar a formar parte de este tipo de grupos hay que estar a otro nivel, no vale con ser un genial guitarrista (que lo es), hay que tener una empatía musical con el líder muy elevada, y eso, hablando de tipos como Waits o Zorn, es otro cantar. Por eso, todo aquello que ha grabado Ribot fuera del conjunto "Electric Masada", del "Kohkba Sextet" o junto a Tom Waits (toca con él desde "Rain Dogs" (1985)) tiene que mirarse con una luz especial. Es uno de los músicos con más amplio registro que recuerdo: bandas sonoras, rock arenoso, funk... y, como en este caso, discos en solitario.
Personalmente me parece un disco interesantísimo, suave, pausado, muy bien compuesto y capaz de llevar al oyente exactamente a donde quiere.


Estoy de vuelta, en grooveshark

Hacía mucho tiempo que no subía nada al blog, pero he decidido recuperar todas las entradas eliminadas por blogger por la ley SOPA sustituyendo los enlaces de descarga directa por enlaces a Grooveshark (todos los disponibles, aunque es cierto que me he visto gratamente sorprendido por la cantidad de música que tienen).
Espero que disfrutéis del blog de nuevo

jueves, 16 de mayo de 2013

TSEGUÉ-MARYAM GUÈBROU: Éthiopiques 21 (2006)



"If you only ever buy one album by an Ethiopian nun, make sure it's this celestial array of self-penned piano instrumentals: the missing evolutionary link between Erik Satie and Brian Eno"
Ben Thompson para The Guardian

Puede parecer que Thompson se está riendo de nosotros con esta crítica, pero este disco merece un lugar predomintante dentro del "jazz étnico". Son muy claramente visibles las dos influencias de Maryam, por un lado la música clásica y por otra los grandes maestros del piano jazz y del blues, algo  lógico en una situación colonial ya que, a pesar de que Etiopía fue uno de los pocos países en conservar su independencia durante el voraz reparto que llevaron a cabo los europeos durante el siglo XIX, no se salvó de ser invadido por Italia en 1898 y de nuevo en 1935.
Hija de una adinerada familia etíope, fue enviada a Europa donde estudió violín con una inmigrante polaca para posteriormente volver a Etiopía. A los 19 años huyó de casa para refugiarse en el monasterio Guishen Mariam donde se convirtió en monja a los 21. Ya en el monasterio comenzó su interés por el piano pero tardo casi 20 años en grabar un disco (1963).
La primera parte del disco (los nueve primeros temas) fueron grabados en 1963 y son parte de su primer LP, los tres siguientes se grabaron durante la peregrinación de Maryam a Jerusalén (país donde actualmente reside) y cierran el disco unos temas grabados a mediados de los años noventa.
Es un disco profundamente lírico, sin grandes alardes técnicos (lo cual, seamos sinceros, es de agradecer muchas veces) y sobre todo muy personal: la mezclar que consigue la pianista de jazz, blues, gospel y música clásica es única, y eso es todo lo que se le puede pedir a un músico.


Escucha este disco en grooveshark

miércoles, 15 de mayo de 2013

BEN WEBSTER & DON BYAS: Ben Webster Meets Don Byas (1968)


Grabado hace cuarenta y un años (febrero , 1968) y con una sección rítmica tan acertada como la que forman Tete Montoliu, el bajo alemán Peter Trunk y el batería norteamericano «Tootie» Heath, dos saxos tenores, muy similares pero profundamente distintos, como son Ben Webster y Don Byas ofrecen un recital típico pero brutalmente sincero, y este último adjetivo es lo más destacable de este encuentro de dos grandes señores del jazz.

Grabado en una de las giras que Webster realizó por Europa acompañandose del expatriado Byas y de esta maravillosa sección rítmica que fue descrita por Ben como "la mejor que tuve en Europa".
Disco muy recomendable, por los músicos que podemos encontrar y porque forma parte de "those Barcelona Days" de Don Byas tan poco recogidos en las discografías habituales.

BEN WEBSTER & DON BYAS: Ben Webster Meets Don Byas (1968) (un par de temas de muestra)

IÑAKI SALVADOR TRIO: Orain (1989)

Iñaki Salvador es un pianista, arreglista y compositor donostiarra. Realiza composiciones y arreglos para espectáculos de teatro Y danza, para grupos como Tanttaka Trapu Zaharra y Ur Teatro entre otros muchos. Compone música para cortometrajes y largometrajes, entre los que destacan Urte Illunak, Maité y Sí, quiero.
Asimismo escribe música para espacios de radio y televisión. Ha aparecido en más de 60 discos de artistas como Mikel Laboa, Txomin Artola, Oskorri, Imanol, Luis Eduardo Aute o Mikel Markez, Golden Apple Quartet, entre otros.
Lidera sus propios grupos de jazz: Iñaki Salvador Trío, Naima Quartet, Andrzej Olejniczak-Iñaki Salvador Quartet, Iñaki Salvador & Zilbor Hestea, editando discos con todos ellos.
Ha recibido premios otorgados por Festivales de Jazz como el de Donostia, Getxo o Berlín (formando parte de la Big-Band Barna Band), así como del programa de TVE Jazz entre amigos. En Octubre de 1997 recibió el Premio Tete Montoliú.
Este es su primer disco "Orain" grabado en Agosto de 1989 junto a Marc Miralta y Mario Rossy.

IÑAKI SALVADOR TRIO: Orain (1989)

TETE MONTOLIU & NIELS-HENNING ØRSTED PEDERSEN: Face To Face (1982)

Este es uno de esos discos que consigues por casualidad y que te cambian la vida. Yo de Tete Montoliu solo sabía que era un gran pianista, EL gran pianista catalán, y de Niels-Henning Ørsted Pedersen... que era un contrabajista sueco con un nombre inacabable, conocía sus nombres pero no eran nada especial para mí. Y después llego este disco, un duo vibrante y lleno de energía entre estos dos genios y sobre todo muy veloz e inspirado.
Tete Montoliu, ciego de nacimiento, se decantó por el piano a muy corta edad (era el piano o vender lotería) al descubrir el ragtime que tocaba el pianista en las sesiones de cine del ejercito durante la guerra civil (sí, aunque parezca mentira, se trata de un ciego que se enamoró de la música a través del cine). Además nació en una familia de gran vocación musical: su padre era miembro de la Banda Municipal y su madre era gran aficionada al jazz. Durante toda su vida tuvo dos referentes que son claramente apreciables en su obra: Thelonious Monk y el igualmente ciego Art Tatum. La sombra de estos dos gigantes unida a su gran talento y personalidad crea un sonido muy muy personal, reconocible desde la primera nota, muy fluido, muy rítmico y muy muy articulado (es posible distinguir con una claridad cortante cada nota de las rapidísmas escalas be-bop). Su personalidad le trajó mas problemas, era muy perfeccionista con todo el mundo, incluyéndose a si mismo: nunca aceptó la mediocridad. Sus inicios en oscuros clubs barceloneses acompañando a orquestas y cantantes terminaron cuando fue escuchado por el maestro vibrafonista Lionel Hampton que llegó a decir de él que era "el pianista europeo con mas swing" y le acogió en su orquesta. Esto fue el inicio de las relaciones de Tete con grandísimos músicos: Dexter Gordon, John Coltrane, Roland Kirk, Ben Webster, Stan Getz, Chet Baker...
Tete Montoliu dejó mas de 60 discos grabados, la gran mayoría de los cuales son muy difíciles de encontrar en España. Murió en 1998 a causa de un cancer pulmonar.
NHOP, virtuoso contrabajista danés, después de estudiar seis años de piano, eligió tocar el bajo influenciado por un célebre instrumentista clásico. Su perfeccionamiento fue tan rápido que a los catorce años ya tocaba con los mejores grupos de jazz de su país. Su primer trabajo de importancia fue con Bud Powell, que quedó impresionado por su calidad, pero su carrera quedo consolidada cuando conoció a Dexter Gordon con el cual grabó trece albumes. También pudo trabajar con Sonny Rollins, Roland Kirk (coincidiendo ya con Montoliu), Bill Evans y Oscar Peterson, músico clave en la carrera de NHOP.

TETE MONTOLIU & NIELS-HENNING ORSTED PEDERSEN: Face To Face (1982)

DIZZY GILLESPIE: The winter in Lisbon (1992)

Hace un tiempo ya me prestaron un libro asegurándome que me iba a encantar, el libro en cuestión era "El invierno en Lisboa" de Muñoz Molina, escrito en 1987 y que obtuvo el Premio de la Critica y el Premio Nacional de Narrativa (la verdad es que la persona acertó al decirme que me iba a gustar, ya que es un libro maravilloso). No es cuestión de desvelar nada sobre el argumento puesto que realmente merece la pena leerlo, dejémoslo en que es un homenaje al cine negro americano y al jazz, especialmente a los tugurios donde los grandes músicos inventaron este estilo de música. La historia se desarrolla entre Donostia, Madrid y Lisboa y fue llevada al cine en 1992 por Jose A. Zorrilla contando con la presencia de nada más y nada menos que Dizzy Gillespie actuando y como autor de la banda sonora. La verdad es que es dificil no ponerle mentalmente una banda sonora a este libro al leerlo, es muy hondo, lleno de jazz, humo y alcohol. Aquí tienen una entrevista a Muñoz Molina hablando de jazz, los mitos musicales y este libro que se encuentra en la revista digital "El Coloquio de los Perros".
Dizzy Gillespie se puede considerar, junto a Charlie Parker, el inventor del bebop en los sórdidos sotanos del Harlem Neoyorquino. Trompetista magnífico y gran compositor, nació en Carolina del Sur pero se traslado a Filadelfia para estudiar música y más tarde a Nueva York. Allí paso por varias orquestas, Lionel Hampton, Frank Fairfax, Teddy Hill... pero lo que cambió todo (incluída la historia del jazz) fue su encuentro con el saxofonista Charlie "Bird" Parker en Kansas a principio de los años 40. Ambos músicos pasaron a formar parte de la banda del pianista Earl Hines, iniciando las andaduras del bebop y convirtiendo la calle 52 del Harlem en la meca del jazz. Gillespie estuvo de gira por Europa a finales de los 40 y en el año 1953 grabó en el Toronto Massey Hall el "concierto del siglo", con Charlie Parker, Charles Mingus, Max Roach... Tuvo un largo romance con la música afroamericana y fue uno de los primeros en introducir la musica latina en el jazz.
"The Winter in Lisbon" es uno de sus últimos discos (el disco fue editado en 1992 y él murió en 1993) y nos encontramos con un Dizzy cansado y débil, pero la presencia del joven Danilo Perez al piano revitaliza el disco y además le dota de una gran coherencia y calidad. La verdad es que al tratarse de una banda sonora es difícil que se adapte a lo que tu imaginas al leer el libro, pero aun asi se trata de una gran obra.

DIZZY GILLESPIE: The winter in Lisbon (1992)

JACQUES LOUSSIER- Solo Piano: Impressions on Chopin's Nocturnes

Jacques Loussier es un pianista y compositor francés especialmente conocido por sus versiones jazzísticas de los grandes de la música clásica como Bach, Erik Satie o Chopin (caso que nos ocupa).
Este trabajo se vio especialmente representado en el "Trio Play Bach" formado por Jacques al piano, Pierre Michelot en el contrabajo y Christian Garros en la percusión a finales de los años 50 incios de los 60. El trio se disolvió en 1978 pero años más tarde, a raíz del tricentenario del nacimiendo de J.S. Bach, se recuperó manteniendose unicamente Jacques Loussier de los miembros originales. La verdad es que el grupo fue un gran éxito entre los aficionados pero no entre los críticos ni los puristas del jazz.
El disco del que hablamos hoy es su primera grabación en solitario (editado en 2004 cuando tenía 70 años) y supone una revision de los conocidísimos nocturnos de Frederic Chopin, muy personal y que supone una vision muy interesante de estas obras.

JACQUES LOUSSIER- Solo Piano: Impressions on Chopin's Nocturnes

BILL EVANS: Live at Balboa Jazz Club (Madrid, 1979)

Me apetecía empezar mis andaduras con un disco muy especial, el concierto del 12 de Diciembre de 1979 que dio el trio de Bill Evans en el ya desaparecido Balboa Jazz Club de Madrid, ante un publico tan escaso como encantado de la visita. Este fue el primer y último concierto de Bill Evans en la capital, en ese sotano reconvertido a sórdido club de jazz. Un Bill Evans muy afectado debido al reciente suicidio de su hermano que no cruzo palabra con nadie, que no se "dignó" a presentar a sus músicos ni las canciones que iba a tocar.
Devorado por su propio interior, por sus fantasmas personales y abrumado por los problemas, su hepatitis crónica y la heroína, tocaba para si mismo y no para su público, pero todos estos problemas no parecían mermar su capacidad musical, al contrario, le permitían hacer una revisión de sus clásicos temas, revisión emapapada de negros augurios: "cualquier noche puede ser la última".
La verdad es que poco se puede decir del maestro que no sea conocido, tuvo una carrera dificil, llena de obstáculos, personales principalmente. Experto intérprete de música clásica, tenía una forma muy lírica de tocar que le valió el sobrenombre de "poeta del piano". Tras su paso por diversas orquestas, y los grupos de Charles Mingus, Art Farmer, Oliver Nelson... llegó al grupo de Miles Davis, con el que grabó lo que muchos consideran la obra maestra del jazz: Kind of Blue (1959) y ese mismo año también su primera obra como lider de grupo (New Jazz Conceptions), seguido de "Everybody Digs Bill Evans" con su premonitoria portada.
Pero fue con Scott laFaro y Paul Motian con quienes llegó a su punto álgido con los imperecederos "Waltz for Debby" y "Sunday at the Village Vanguard", fructífera colaboración que cambió el concepto de piano trio (ya no eran 2 músicos acompañando a una estrella sino 3 músicos con voz propia manteniendo una conversación), que se vio truncada por la muerte de laFaro con 25 años, y que hizo a Evans replantearse su vida.
A partir de entonces Bill intentó sin exito sustituir a laFaro, consiguiendo grandes obras como en piano solo como "Conversations with myself" o "Alone"...

BILL EVANS: Live at Balboa Jazz Club (Madrid, 1979)

ALBERT BOVER & HORACIO FUMERO : Duo (1997)

Hace no mucho acudí a un concierto de Geni Barry, vibrafonista catalán bastante conocido debido a sus colaboraciones con Tete Montoliu y que en esta ocasión iba acompañado al piano por Albert Bover, autor del disco de hoy.
Albert Bover es un pianista (también catalán)que a pesar de su juventud acumula importantes actuaciones y colaboraciones. Estudió armonía y piano clásico en Barcelona y después jazz en Barcelona y Nueva York y ha tocado con grandes músicos como Javier Colina, Perico Sambeat, Idris Muhammad, Marc Johnson..., siendo especialmente fructífera su relación con el contrabajista Horacio Fumero. Mucha gente insiste en verle como el heredero de Tete Montoliu por su gran dominio del lenguaje be-bop aunque para poder afirmar eso habrá que dejar pasar el tiempo.
Horacio Fumero, contrabajista argentino conocido por sus colaboraciones con Gato Baribieri, con Idris Muhammad y especialmente con Tete Montoliu, formando parte (junto a Peer Wyboris) del último trío estable del genial pianista catalán(desde 1980 y de forma ininterrumpida hasta la muerte de Tete en 1997). También mantiene una activa colaboración con Adrian Iaies, con quien ha grabado varios importantes discos.
Ambos son actualmente profesores del ESMUC (Escuela Superios de Musica de Catalunya).
El disco del que nos ocupamos se trata de un duo entre ambos músicos grabado en 1997 en directo en Andorra La Vella en el que se demuestra un gran entendimiento entre ambos músicos así como un perfecto dominio del lenguaje. En el se hace un repaso a buen numero de estandars con especial presencia de Charlie "Bird" Parker, así como otras obras elegidas por Bover de Wayne Shorter, McCoy Tyner.

ALBERT BOVER & HORACIO FUMERO : Duo (1997) (sólo 4 temas grooveshark)

GERMAN DIAZ Y PASCAL LEFEUVRE: Duo de Fuego (2004)

Hoy voy a hablar de uno de esos discos que, como mínimo, pueden calificarse como curiosos. El resto de adjetivos los dejo para que los pongais vosotros en los comentarios: interesante, sorprendente, imaginativo, anacrónico. Se trata de dos hombres unidos por un solo instrumento, la zanfoña (o zanfona: instrumento tradicional que data del s. IX y que llegó a España a través del Camino de Santiago) y que este duo a revitalizado gracias a un repertorio muy característico: Piazzola, Duke Ellington, música gallega, celta...
De Pascal Lefeuvre se pueden destacar dos factores: su gran calidad como intérprete de músicas tan aparentemente dispares, o al menos, cronológicamente diferentes, como son la música medieval y la contemporánea, y su capacidad como director artístico de proyectos novedosos y únicos en su género. Este músico francés tiene trabajos muy interesantes de los que se puede destacar el "Ensemble Tre Fontane" en el Pascal Lefeuvre realiza una rigurosísima lectura de la música medieval y Noé Jazz Trio, en el cual la zamfoña es el líder solista de un trío de jazz.
Germán Díaz, guitarrista que se pasó a la zanfoña y que ha alcanzado una gran soltura con ella, habiendo impartido numerosos cursos y grabado trabajos junto a gran cantidad de artistas.Otros proyectos de Germán que destacan son: el RAO TRIO en el que se repasa el jazz de los años 30 y su trabajo en solitario "El sueter de Claudia" (Explicación en la entrevista).
Personalmente, mi interés por este disco radica en la interesante revisión de música ampliamente conocida, llevada a unos extremos bastante poco comunes así como la dificultad que entraña llevar a buen puerto la adaptacion de música contemporánea a un instrumento medieval. También es remarcable ver como en este caso, el uso de un instrumento medieval no es una barrera sino un trampolín para la creatividad.


Anne Sophie Mutter con la Orquesta Filarmónica de Berlin dirigida por Karajan: Concierto para violin de Beethoven op.61

Aprovechando el centenario del nacimiento de Herbert von Karajan aquí va una joya de mi colección de clásica.
Herbert von Karajan nació el 5 de abril de 1908 en Salzburgo (Austria), ciudad donde, a parte de Viena, cursó sus estudios. Inició su carrera como pianista, pero cuando tenía 21 años fue nombrado director musical de la Ópera de Ulm, en Alemania. Pasado algún tiempo decidió trasladarse a Aquisgrán y entre 1938 y 1944 dirigió la Ópera de Berlín. Durante estos años perteneció al Partido Nacionalsocialista, hecho que retrasó el desarrollo de su carrera al finalizar la guerra, hasta que el productor discográfico Walter Legge le contrató para dirigir en Suiza. Si hay algo que Karajan aprendió de los nazis es la necesidad de dominar el mundo . Desde 1948 se encargó de la Philarmonia Orchestra, que Legge acababa de fundar en Londres. Reconocido internacionalmente tras ser nombrado, en 1951, director artístico de por vida del Gesellschaft der Musikfreunde de Viena, además fue director de la Orquesta Filarmónica de Berlín desde 1955, de la Ópera de Viena (1955-1964) y director artístico del Festival de Música de Salzburgo (1957-1959). En 1967 fue el fundador del Festival de Pascua de esta última ciudad. En abril de 1989 dimitió como director de la Filarmónica de Berlín, alegando falta de salud y malentendidos diversos. Falleció el 16 de julio de ese mismo año. Se le puede considerar el director de orquesta más influyente con una personalidad que no dio resquicio a las contradicciones: aplastó la independencia y la creatividad. (informacion complementaria: 1, 2, 3)
.
Anne-Sophie Mutter es una de las violinistas más prestigiosas de la actualidad y considerada una experta en Mozart. Cuando tenía 13 años fue invitada por Karajan a tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlin y poco después hizo su debut bajo la dirección de Daniel Barenboim. Su primera grabación de los conciertos para violín
.216 y K.219 (con 15 años) la realizo de nuevo con la Orquesta Filarmonica de Berlin dirigida por Karajan. A pesar de su calidad en la interpretación de los clásicos es especialmente conocida por sus ejecuciones de música contemporánea.
Además, varias obras han sido especialmente escritas o dedicadas a ella, incluyendo piezas de Rihm, Lutoslawski y Penderecki.


"El arte de dirigir consiste en saber cuando hay que abandonar la batuta para no molestar a la orquesta" (Herbert von Karajan)

TETE MONTOLIU Y JAVIER COLINA: En el Central 1995

Este es uno de los discos más conocidos de Tete Montoliu, por la única razón de que es el último que se ha edita a raiz del décimo aniversario de su muerte. En esta ocasión se alía con Javier Colina, contrabajista navarro que ha tocado con los más grandes de todos los géneros y con una impresionante capacidad de aglutinar influencias musicales, que van desde el son cubano, el jazz más norteamericano, el flamenco, la música tradicional de Euskal Herria...
Nacido en 1960, su primer instrumento fue el acordeón pero a los 26 años, a raiz de escuchar un standard de jazz por la radio decidió pasarse al contrabajo (lo que demuestra que hay esperanzas para todos, sea cual sea la edad a la que empecemos a tocar un instrumento). Desde entonces se fue forjando una gran carrera que levantó el vuelo al formar parte del trio de Chano Dominguez. Trabajó con grandes del flamenco y del jazz como Tomatito, El Cigala, Ketama, Tete Montoliu, Hank Jones... y tuvo una fructífera relación con Juan Perro del cual saliero grandes discos de la historia musical española. También cabe destacar su colaboración con Jerry Gonzalez y la Fort Apache Band y el dico que le ha hecho reconocido ante las "masas": "Lágrimas Negras", junto a Bebo Valdes y Diego el Cigala. Su otra colaboración con Bebo Valdes, esta vez a duo, se vio plasmada en el "Live at the Village Vanguard" que recibió una excelente crítica, disco que pronto pasará por aquí...
De Tete Montoliu no dire nada, ya que es de sobra conocido, y ya esta su biografia por este mismo blog, solo resaltar que para la grabación de este album, Javier Colina y Tete se encerraron en al Cafe Central durante un mes sin repetir casi temas, tocando standars, temas propios...
Es algo que se puede apreciar claramente en el disco, ese aire de improvisación, de música que está ahi en ese momento y morirá al dejar de tocar.

TETE MONTOLIU Y JAVIER COLINA: En el Central 1995

VIENNA ART ORCHESTRA: The Minimalism of Erik Satie


Alfred Eric Leslie Satie fue un compositor francés nacido en 1886 y que murió en 1925 y que, a pesar de su reconocida calidad, nunca se definió como músico sino como "fonometrógrafo" o como "gimnopedista". En 1879 entró en el Conservatorio de Paris pero fue expulsado por falta de talento, algo que se repitió en 1885, por lo cual inició el servicio militar (aunque se fue de alli al poco tiempo).
En 1891 se convirtió en el compositor oficial y maestro de capilla de la orden de la Rosacruz para la cual compuso varias piezas de aire místico como "Salut Drapeau!", "Le Fils des Etoiles"... En torno a 1893 compuso sus "Danses Gothiques" dedicadas a la única mujer de su vida Suzanne Valadon, relación que solo duró 6 meses pero que obsesionó a Satie mucho tiempo. Ese mismo año fundo la "Iglesia Metropolitana de Arte de Cristo el Guia", con él mismo como único miembro y para la que escribio sus "Gran Misa" o "Misa de los Pobres", además de miles de cartas y panfletos religiosos.
Ejerció una gran influencia sobre un joven Maurice Ravel (el del bolero de Ravel entre otras muchas y geniales obras). A partir de 1899 se ganó la vida como pianista de Cabaret y escribió muy pocas obras que hayan llegado hasta nuestros días, piezas que intentaban rivalizar con Debussy (al que había conocido años antes) y se matriculó en una escuela para estudiar contrapunto al estar cansado de oir como criticaban sus obras por armonicamente erraticas.
A partir de entonces su vida se aceleró, apareció un grupo de jóvenes que consideraban sus primeras obras como precursoras de Debussy lo cual le halagó hasta que se dio cuenta de que se minusvaloraba su obra actual así que buscó un publico que apreciara su obra.
Erik Satie entro en contacto con gente muy importante del mundo de la cultura como Stravinsky, Tristan Tzara (fundador del dadaísmo), Man Ray...
Entre otras muchas cosas destaca su costumbre de añadir curiosas frases en sus composiciones (tales como "la primera fila no se mueve, la segunda se queda quieta"), no usar barras para dividir compases y no componer nunca con el piano (a pesar de ser pianista).
La obra de la que hablamos hoy es una revisión de sus obras y su influencia llevada a cabo por la VAO, orquesta fundad a imagen y semejanza de la "Lincoln Centre Ochestra" de Marsalis por Mathias Ruegg, pianista sueco. La VAO acoge un repertorio de jazz clasico, Thelonius Monk, Charles Mingus adaptado de una maravillosa forma por Ruegg. Su música es un canto a la vida, al hombre y a la memoria y toda una declaración de principio de la música contemporánea.

TETE MONTOLIU AMB NURIA FELIU (1965)

Núria Feliu es una cantante catalana que nació en 1941 en el barrio de Sants en Barcelona, debutando en 1965. Destacan sus trabajos sobre la música popular catalana pero no es este el caso que nos ocupa sino su faceta mas jazzistica.
En el año de su debut colaboró con Tete Montoliu en un disco que versioneaba standars de jazz en catalán con un grupo de lujo: Erich Peter al contrabajo, Billie Brooks a la batería y Booke Ervin en el saxo tenor. Aunque no es un disco que armara mucho revuelo en el momente de salida, actualmente los vinilos originales se cotizan a buen precio en el mercado de segunda mano y son dificiles de encontrar.
Al principio puede resultar extraño escuchar temas como Misty, la genial composición de Erroll Garner, Bye bye Blackbird y Loverman en catalán pero el genial trabajo de los músicos (en especial por parte de Tete y Ervin, muy compenetrados e inspirados) y la cristalina voz de Nuria Feliu pronto nos trasladan a un lugar donde el único lenguaje es la música, y ese sí es universal. Este es uno de los primeros discos de Nuria Feliu y a pesar de que Tete ya había grabado con gente importante del jazz internacional, no hacía mucho que empezaba a ser reconocido. Años después, en 1996, Tete colaboraría con la conocida cantante Mayte Martin en un disco de Boleros que alcanzó gran renombre.

TETE MONTOLIU AMB NURIA FELIU (1965)
Cancion de muestra: Tot es gris

ST. PETERSBURG SKA-JAZZ REVIEW: Too Good To Be True (2005)

Esta entrada hay que agradecersela a Miguel García Urbaniz, conductor de Calle 52 en Radio Nihuil, programa del cual soy un grandísimo seguidor por descubrirnos grandes escritores y grandes músicos como la banda que nos encontramos hoy: St. Petersburg Ska-Jazz Review. Escuché una canción de este disco en su programa sobre música rusa y me encantó este sonido a lo Jazzbo pero más moderno y con Jennifer Davis destacando con su gran voz.
Esta banda nació como un proyecto paralelo de Spitfire (conocida banda rusa de ska-punk) en el año 2001 con la idea de actuar en el Festival Internacional Sergey Kurhyokin pero se ha convertido en algo completamente estable con cuatro discos a sus espaldas. Los miembros estables de SPSJR son:
- Jennifer Davis-vocalista principal
- Konstantin Limonov-guitarra y coros
- Andrey Kuraev-bajo
- Denis Kupcov-batería y percusión
- Alexei Kalinin-percusión
- Sergei Egorov-percusion y coros
- Ilia Rogachevsky-piano y teclado
- Kanev Aleksei-saxo barítono y coros
- Grigorii Zontov-saxo tenor y coros
- Vladislav Alexandrov-trombon y coros
- Sokolov Evgenii-trompeta y coros


ST. PETERSBURG SKA-JAZZ REVIEW: Too Good To Be True (2005)

BEN SIDRAN: Concert for Garcia Lorca (1999)

Este disco es la demostración de que existe solidaridad en Internet, hace ya un tiempo, en el blog Call it Anything pedí el disco de hoy, había leído que existia pero estaba descatalogado en las tiendas y la unica forma de conseguirlo era a través de eBay o similares (normalmente en envíos desde Estados Unidos, Alemania...). Hasta que Neil, desde Londres, decidió compartir esta joya, desde aquí se lo agradezco de nuevo, Neil es traductor y tradujo en 1986 en el 50 aniversario de la muerte de Lorca su "Lamento por Ignacio Sanchez Mejias, que, con su permiso voy a colgar aquí tambien por si alguien esta interesado (destacar que es bastante raro ya que se editaron muy pocas copias).
En cuanto al disco y su autor, Ben Sidran es un pianista americano de 64 años nacido en Boston (activo en la actualidad) muy conocido por sus colaboraciones con grandes del rock como Eric Clapton, Los Rolling Stones, Van Morrison... Su hijo Leo estudió filologia hispánica en Sevilla, lo cual propició que viniera a España y tocara el piano que perteneció a Garcia Lorca. Impresionado por la triste historia del poeta dió este concierto en 1999 para el centenario de su nacimiento acompañado por Leo Sidran a la batería, Bobby Martinez al saxo y Manuel Calleja al bajo mientras se pueden oir poemas de Lorca y la historia de su muerte por encima de la música. La canción que abre el disco "On defeating death" narra su muerte mientras que "On Duende" evoca el poder que en nadie ve pero todo el mundo siente. "Lover man" intenta reflejar la influencia de Nueva York en el poeta (por su viaje a Manhattan que dio lugar al maravilloso libro "Poeta en Nueva York") y "It Ain't Necessarily So" y "Freedom Jazz Dance" retratan sus convicciones politicas.

BEN SIDRAN: Concert for Garcia Lorca (1999)
Federico Garcia Lorca: Lamento por Ignacio Sanchez Mejias (traducido por Neil Crawford, el cual ha hecho posible postear este disco)

ALBERT BOVER TRIO: ESMUC Blues (2001)

Y he aquí otro magnífico disco de Albert Bover, que con cada actuación gana puntos para convertirse en el proxima gran pianista catalán (con el permiso del señor Montoliu). Ya postee hace un tiempo su duo con Horacio Fumero y este caso se alía con Chris Higgins al contrabajo y Jorge Rossy a la batería para grabar este magnífico "ESMUC Blues" (Escola Superior de Música de Catalunya donde es profesor). Es un trabajo en el que predominan los temas del propia Albert ya que, exceptuando el "Aria" de Bach, "Are you too Beatiful?" de Rogers y Hart, "Pra que mentir" de N. Rosa y "I fall in love too easily" de Cahn y Styne, se trata de canciones compuestas por el propio Albert, entre las que destacan "Old bottle, New Wine" y la brillante simplicidad de "Post Nuclear Holocaust". Es destacable la gran compenetracion entre el piano y la batería a lo largo de todo el disco y el buen trabajo de Chris Higgins en el bajo, dando una base solida para que destaque el piano.
Tuve la suerte el viernes de poder ver Albert Bover con Horacio Fumero (duo que empezo hace muchos años) y me dejo gratamente sorprendido su gran capacidad de crear, sin ayuda de bateria ni instrumentos solistas, una grandisima base sobre la que ambos musicos se deleitaban sin llegar a competir nunca por el puesto de solista.
(Aquí van algunas fotos del concierto)

PEDRO ITURRALDE QUARTET FEATURING HAMPTON HAWES (1968)

Un disco histórico en los anales de la historia del jazz español, Hampton Hawes tenía un contrato de 2 semanas con el extinto Whisky-Jazz madrileño y gracias a la mediacion de Juan Claudio Cifuentes Hispavox consiguió registrar este maravilloso concierto a las 3 de la mañana de el grandísmo maestro Pedro Iturralde y su cuarteto con Hampton Hawes al piano. Corría el años 1968 en Madrid.
Hijo de un molinero aficionado a la música en Falces (Navarra) Pedro Iturralde debutó con el saxo cuando contaba con tan solo 9 años y es considerado el pionero del jazz-flamenco por su trabajo junto a Paco de Algeciras (hoy conocido como Paco de Lucía). Tras acabar la carrera de saxofon en Madrid y una gira de 8 años por Europa volvió a la capital para fichar por el Whisky-Jazz donde tocó junto a Tete Montoliu, Gerry Mulligan, Donald Byrd...
Excepcional compositor, arreglista e intérprete, es muy apreciado en Europa donde sus composiciones "Like Coltrane" y "Tay" fueron premiadas en el Concurso Internacional de composición de Monaco. Catedrático de saxofon del Real Conservatorio de Musica de Madrid hasta 1994, dedica actualmente su tiempo a las actuaciones en directo a pesar de contar ya con 79 años.
Hampton Hawes es un pianista californiano conocido por su trabajo con Shorty Rogers, Dexter Gordon... A partir de su nombramiento en la revista "Downbeat" como mejor novato en 1956 le llovieron los contratos y las giras por todo el mundo. Es reconocido por su desarrollo del estilo de piano jazz que iniciaron Thelonious Monk y bud Powell en sus primeros veinte años de carrera.
A pesar de que Pedro Iturralde es más conocido por su genial fusión en el disco flamenco-jazz o en el maravilloso y cosmopolita "etnofonías" donde recorre las distintas tradiciones musicales europeas mezclandolas con el jazz, considero este disco, claramente metido en el hard-bop y lejos de la atrevida fusión que le caracteriza, un gran album del jazz español y europeo

PEDRO ITURRALDE QUARTET FEATURING HAMPTON HAWES (1968)

BILL EVANS TRIO: Sunday at the Village Vanguard (1961)

Corre el año 1958 en Nueva York y Miles Davis acaba de cometer la osadía de admitir a un pianista blanco en su sexteto. A finales de ese mismo año y debido a problemas con las drogas este pianista abandona el grupo volviendo no mucho despues (1959) para dar a luz el considerado por muchos mejor album de jazz de la historia: "Kind of Blue". Sólo 8 meses de colaboración, pero que 8 meses la verdad, Miles Davis, tan poco aficionado a los cumplidos dijo más tarde "Bill had this quiet fire that I loved on piano. The way he approached it, the sound he got was like crystal notes or sparkling water cascading down from some clear waterfall."
En ese mismo año Bill Evans comienza su andadura como lider de su trío grabando "Everybody Digs Bill Evans" y a comienzos de la nueva década se asocia con Scott LaFaro (contrabajo) y Paul Motian (batería) para formar el grupo que llevo a los límites la concepción de trío basado en el piano, trío que desconocía el significado de solista/acompañante. De esa unión salieron 4 discos: "Portrait in Jazz", "Explorations", "Sunday at the Village Vanguard" y "Waltz for Debby" (los 3 ultimos grabados en 1961). "Sunday at the Village Vanguard" y "Waltz for Debby" pertenecen a las mismas sesiones de grabación en esta famosa sala de conciertos y el set completo se recogio en "The complete live at Village Vanguard 1961" (Box 3CD) en 2005 (lo subiré algún día de estos).
10 días despues de la última grabación del trio y 2 después de dar un concierto con Stan Getz en el festival de Newport un accidente de coche segó la vida de Scott LaFaro a la edad de 25 años. Esto destrozó a Bill Evans que se negó a grabar y tocar durante meses hasta que decidió substituir a Scott LaFaro con Chuck Israel. Nadie sabe a que hubiera llegado el trio de Bill Evans de no haber ocurrido esa desgracia.
Las canciones que se eligieron para este disco fueros escogidas para subrayar la maestria de Scott LaFaro al contrabajo e incluye 2 composiciones del propio LaFaro: "Gloria's Step" y "Jade Visions". En esta formación Bill Evans llevó al jazz las influencias de los compositores clásicos enriqueciendo sus acordes y exploró el uso de tempos extremadamente lentos, características propias que le valieron el sobrenombre de poeta del jazz.

BILL EVANS TRIO: Sunday at the Village Vanguard (1961)

TETE MONTOLIU: Catalonian Fire (1974)

He aquí uno de los mejores discos del "pianista con más swing de Europa" (Ben Webster dixit), Catalonian Fire, grabado en los estudios Rosenberg de Copenhague en 1974 por Tete Montoliu junto a Niels-Henning Orsted Pedersen al contrabajo y Albert Tootie Heath a la batería.
Tete debe una gran parte de su exito (además de a su enorme calidad) a Copenhague, era el año 1963 y el saxofonista Dexter Gordon ofrecía un concierto en el "Montmartre Jazzhus" de la capital danesa junto a él. Tete ya había explotado antes, en España con Lionel Hampton y ya en Europa con figuras como Don Byas, Chet Baker... Pero su relación con Dexter Gordon elevó su figura y permitió a Tete conocer a NHOP, uno de los mejores bajistas europeos de la historia. Poco después pudo viajar a Nueva York "aprendiendo más en 3 meses allí que en toda una vida en Europa" tocando durante diez semanas en el "Top of the Gate" y realizando una grabación con Billy Higgins y Walter Booker para Impulse que desgraciadamente nunca vio la luz (al menos que yo sepa...).
Este disco se grabó 11 años despues de esa primera visita del catalán a Copenhague pero con el mismo bajista (y lo que es más importante, el mismo espiritu) y un batería habitual (grabaron junto a Ben Webster en 1968) lo que hace que la compenetración entre los músicos sea magnífica, se conocen bien y eso se nota, comenzando por la genial versión de "Sweet Geogia Brown" de Blossom Dearie.

TETE MONTOLIU: Catalonian Fire (1974)

BILL EVANS TRIO: The complete live at Village Vanguard 1961 (Box 3CD)

Bueno, dije hace poco que un día de estos subiría la caja completa del histórico concierto de 1961 del Bill Evans con Scott LaFaro y Paul Motian en el Village Vanguard y aquí está. Ciertamente es una joya ya que se trata del concierto íntegro y cuando digo íntegro quiero decir eso mismo, completo, incluso las conversaciones entre los músicos para decidir cual será la próxima canción, los anuncios del principio de concierto y de descanso...
Espero que lo disfruteis, aquí esta todo el material que despúes formo parte de "Waltz for Debby" y "Sunday at the Village Vanguard" pero tocado en su orden original y no respondiendo a los designios del productor ni a nada por el estilo. Se trata de 3 tandas grabadas todas ellas entre la tarde y la noche del 25 de junio de 1961 y podemos ver al trio en todo su esplendor, con un Bill Evans pletórico perfectamente compenetrado con LaFaro que da un impresionante recital proporcionando junto a Motian una solidísima base para que Bill se explaye y destacando por el lirismo de sus solos.

BILL EVANS-The complete live at Village Vanguard 1961 (Box 3CD)

BUD POWELL & DON BYAS: Tribute to Cannonball (1961)

"Years ago the game was vicious, cutthroat. Can you imagine Lester Young, Coleman Hawkins, Chu Berry, Don Byas, and Ben Webster on the same little jam session? And guess who won the fight? That's what it was, a saxophone duel. Don Byas walked off with everything."
Cuando abandonó Estados Unidos en 1946 con la orquesta de Don Redman para realizar la primera gira de una orquesta de jazz tras la II Guerra Mundial la reputación de Don Byas esta en su punto más alto, era admirado por los modernistas y por los músicos de swing de su generación que se repartían por los clubs de la calle 52. Se quedo en Europa, convirtiendose en el primero de una serie de jazzmen expatriados y a pesar de que era tremendamente apreciado por los aficionados europeos fue olvidado rapidamente en su país de origen. Algunos de sus discos se llegaron a vender en Norteamérica pero al no estar él nunca presente su peso en el jazz americano se fue diluyendo hasta que grandes saxofonistas reivindicaron su figura como una de las más grandes influencias de su música. En 1970 volvió por primera vez a EEUU pero recibió menos dinero y admiración de la que esperaba así que volvió a Holanda donde murió, de cancer, en 1972. Era un maestro del swing y un virtuoso del instrumento con un sonido que evolucionaba de la tradición del saxo tenor de Hawkins pero con un sonido totalmente personal y reconocible. Alentó el talento y la creatividad de Tete Montoliu con quien grabó un magnífico disco junto al maestro Ben Webster y grabó junto a multitud de músicos y orquestas barcelonesas.
Y que se puede decir de un pianista que contaba con nada más y nada menos que con Art Tatum como admirador. Bud Powell es uno de los pianistas más importantes de los comienzos del Bebop y uno de los más influyentes en la historia del jazz. Apadrinado por Thelonious Monk (a quien después dedicó un disco homenaje que colgaré por aquí) Bud Powell puso de moda tocar rápidas líneas melódicas con la mano derecha mientras tocaba espaciados acordes disonantes con la izquierda (estilo que fue adoptado por la gran mayoría de pianistas del bebop) y tomó parte del histórico concierto en el Toronto Massey Hall de 1953 junto a Bird, Dizzy, Max Roach y Mingus.
Byas y Powell habían tocado juntos en infinidad de ocasiones en los aqños 40 y representan de forma clarísima dos formas de aproximación al jazz opuestas pero a la vez complementarias: la era antes de Charlie Parker y despues de Charlie Parker.

BUD POWELL & DON BYAS: Tribute to Cannonball (1961)
PART 1
PART2

OSCAR PETERSON ET STEPHANE GRAPPELLI QUARTET: Jazz in Paris Vol. 2 (1973)

Hace no mucho llego a mis manos esta joya que cuenta con unos músicos de lujo:Oscar Peterson al piano, Stephane Grappelli al violín, Niels-Henning Orsted Pedersen y Kenny Clark a la batería.
Oscar Peterson es probablemente uno de los intérptetes tecnicamente más dotados de la historia del jazz junto a Bill Evans y Bud Powell, capaz de moverse en todos los registros y adaptar cualquier tipo de obra a su propio estilo. Asimiló todo lo que se había hecho antes en el jazz y supo llevarlo a su terreno (como el mismísimo Newton, se aupó a hombros de gigantes).
Stephane Grappelli, violinista francés de origen italiano, uno de los mayores virtuosos del instrumento y famoso por su colaboración con Django Reinhardt. Totalmente autodidacta, estudió en la escuela de Isadora Duncan durante la Guerra Mundial (era una forma de estar protegido mientras su padre estaban fuera) hasta que ésta decidió abandonar Europa por el "clima de inseguridad". Pianista en sus inicios, pronto alguien le indico que su camino no era ese sino el violín y a ello se dedicó en cuerpo y alma, no en vano, de la música dependía su sustento.

OSCAR PETERSON ET STEPHANE GRAPPELLI QUARTET: Jazz in Paris Vol. 2 (1973)

LENNIE TRISTANO: Lennie Tristano (1959) y The New Tristano (1966)

Nacido en Chicago en una famila italiana (procedente de Aversa, localidad a 15 km de Nápoles), una enfermedad congénita en los ojos le provocó la ceguera total a la edad de 9 años. Fue matriculado en una escuela para ciegos donde contactó con la música aprendiendo el manejo de media docena de instrumentos y, recomendado por su profesor, ingresó en el American Conservatory de Chicago y consiguió el título en 1941.
La música de Duke Ellington y especialmente Art tatum (se dice que podía interpretar todo el repertorio de Art Tatum) causó una profunda impresión en Lennie y ellos le llevó (así como la necesidad económica) a inclinarse por el jazz en lugar de la música clásica. Su primer contrato fue para tocar el clarinete y el saxo en un club de Chicago y en 1945 grabó su primer trabajo que consistió en una sesión de piano solo titulada "Holiday in piano". Permanentemente asociado al cool jazz, algo siempre rechazado por él, su obra esta salpicada de obras maestras y rompedoras por su complejidad y modernidad.
En 1947 formó su primer trio a lo que sucedio muy una época muy exitosa en la que grabó varios discos (entre los que figuran este Lennie Tristano de 1959) y ganó importantes galardones. Tras una época de sequía volvió a los estudios para grabar The New Tristano, donde se puede apreciar el notable cambio en su estilo, más incisivo y con una estructura ritmica más avanzada. La grabación de este disco fue seguida por una gira por Europa y EEUU tras la cual se se retiro para dedicarse a la docencia negándose a seguir actuando a pesar de las presiones de discográficas y aficionados.

LENNIE TRISTANO: Lennie Tristano (1959) y The New Tristano (1966)

Night Ark - In Wonderland (1998)

Hace ya bastante descubrí este grupo, y este disco en concreto en L'Arbre de les 1000 musiques, y me causó una profunda impresión. Night Ark es un cuarteto de jazz muy influido por la música tradicional armenia ya que dos de sus miembros (Arto Tunçboyaciyan y Ara Dinkjian, percusionista el uno y oudista el otro)son armenios, o al menos tienen ascendencia de ese país.
Arto Tunçboyaciyan es turco de origen armenio, artista conocido en su país por las colaboraciones así como en el mundo del jazz por su trabajo junto a Al Di Meola, Chet Baker, Joe Zawinul...). Ara Dinkjian es un musica americano nacido en Armenia, conocido por sus colaboraciones con Eleftheria Arvanithaki e influyente músico a través de su trabajo en Night Ark.
En 1986 se unieron sus fuerzas para formar este grupo.

Night Ark - In Wonderland (1998)

ESBJÖRN SVENSSON( 1964 - 2008 ) - EST: When Everyone Has Gone (1994)

Hoy es un día enormemente triste para el mundo del jazz ya que el magnífico pianista y compositor sueco Esbjörn Svensson, lider de EST (Esbjörn Svensson Trio formado por Dan Berglund y Magnus Öström y el propio Svensson) murió ayer a la edad de 44 años mientras buceaba en un lago.
Visionario y revolucionario músico, supo unir lo mejor de las músicas que le influenciaron para crear un coctel explosivo rompiendo la barrera que "hace" del jazz una música elitista y consiguiendo llegar a miles de aficionados sin decepcionar a los puristas del jazz. EST fue el primer grupo en ocupar la portada de la prestigiosa revista norteamerina "Down Beat" en 2006. En apenas 15 años consiguieron pasar de un grupo novedoso en Suecia a uno de los grupos más conocidos y apreciados de la escena contemporánea mundial. En su música se puede apreciar la enorme sombra de Thelonious Monk que se extiende sobre ellos así como la influencia de Bill Evans, los pianistas clásicos y la música más moderna basada en los efectos de sonido, los sintetizadores...
Para rendirle homenaje ahi va su primer disco, "When everyone has gone" de 1994, uno de mis preferidos ya que es más dinámico e improvisado que los posteriores trabajos del grupo. Aun no habían definido completamente el estilo que les llevaría a la fama pero es un precioso disco.

ESBJÖRN SVENSSON( 1964 - 2008 ) - EST: When Everyone Has Gone (1994)

BORIS VIAN Y ANDY CHANGO CHANTE BORIS VIAN

Boris Vian siempre supo que iba a vivir poco y por ello desarrolló una actividad tan frenética. Nos encontramos ante el último hombre del Renacimiento: poeta, novelista, dramaturgo, trompetista, genial cantante, ingeniero, actor... Sus dos obsesiones siempre fueron el jazz y la cultura negra del sur norteamericano (como puede verse en su magnífica novela "Escupiré sobre vuestras tumbas") aunque en un inicio, tras licenciarse en ingeniería, se dedicó a diseñar puentes que permitieran a los coches no consumir combustible.
Socio del legendario "Hot Club" de Paris, fundado por Reinhardt y Grappelli años atrás, ya desde muy joven formó parte de varias orquestas de jazz e incluso llegó a abir un club junto al clarinetista Claude Abadie (el "New Orleans Club") hasta que Jean-Paul Sartre le dio un empujón a su carrera literaria animandole fervorosamente a dedicarse a escribir. Este apoyo, unido a la grave enfermedad cardiaca degenerativa que le acompañaba desde los 12 años y que le impedía tocar correctamente la trompeta, hicieron que se dedicará profesionalmente a la escritura, ya fuera publicando bajo un pseudónimo o con su propio nombre. Tras ver frustrada su carrera musical por consejo médico fundó 2 clubes que se convirtieron en refugio de la élite intelectual parisien, primero el "Tabou" y después el "Club Saint Germain". Colaborador habitual de la revista "Hot Jazz" como cronista y crítico a partir de 1946, dejó de tocar definitivamente en 1950, año en el cual escribió su obra maestra "Hierba Roja" y murió de un infarto en 1959 tras asistir a la premiere de la película "J'irais cracher sur vos tombes" basada en su novela (asistió a escondidas tras haber discutido con el director por desacuerdos sobre el guión).
Con la muerte de Boris Vian se fue una de las más brillantes mentes de Paris y por ende de la escena intelectual europea de mediados del siglo XX.
Y para terminar, un disco de Andy Chango, que no es en absoluto de de este estilo, pero que aquí se presenta en caluroso homenaje a Boris Vian. Y ojo con los colaboradores: Villena y Krahe como traductores y en el apartado musical destacan Federico Lechner al piano, Antonio Serrano con la armónica, el trombonista y cantante Norman Hogue y el trompetista Jerry Gonzalez así como los siempre presentes Fito Paez, Calamaro y Ariel Rot. Que lo disfruten!

BORIS VIAN CHANTE BORIS VIAN
ANDY CHANGO: Boris Vian (2008)

THELONIOUS MONK QUARTET: Live in Genève (1966)

Parece mentira que haya tardado tanto en colgar un disco de uno de los mejores pianistas y compositores de la historia del jazz, de hecho, este directo de 1966 en Suiza es el primer album de jazz que llegó a mis manos, hace ya bastantes años en una vieja cassette.
Nacido en Carolina del Norte pero criado en Nueva York se le puede considerar padre fundador del bebop y uno de los más influyentes músicos de todos los tiempos siendo conocido por su personalísima forma de improvisar y por haber escrito grandes temas que a lo largo del tiempo se han convertido en standards de jazz como "Blue Monk", "Straight no Chaser" y especialmente "Round Midnight". Su primer contacto con la música se dio en la iglesia, acompañando al órgano, primero a su madre, y después a un predicador evangelista. Al volver a Nueva York formó un cuarteto pero fuen en 1942, cuando Kenny clark le eligió como pianista para acompañarle en el mítico Minton's Playhouse donde entró en contacto con los grandes músicos del momento Dizzy, Parker, Coltraine, Miles Davis... que estaban sentando las bases del bebop. Grabó por primera vez como lider de su banda tras unas grabaciones con Coleman Hawkins y en los años 50 grabo importantes discos para Blue Note y Prestige.
El caracter único y dificil de su música hizo que fuera poco apreciado por el público hasta que formo un cuarteto junto a John Coltrane tras ser contratado en el Five Spot a finales de los 50. Los años 60 fueron años de esplendor y constantes giras hasta que en 1973 debido a una enfermedad mental decidió retirarse hasta que murió en 1982.

THELONIOUS MONK QUARTET: Live in Genève (1966)

Nils Landgren and Esbjorn Svensson - Swedish Folk Modern (1988)

Y seguimos con artistas que han tratado de mezclar música regional con jazz, aunque esta vez a otro nivel completamente distinto. Ahora nos encontramos con el recientemente fallecido Esbjorn Svensson junto al trombonista Nils Landgren interpretando musica folk sueca tal y como la entienden ellos.
Nils Landgren es un trombonista sueco que ha adquirido reconocimiento en el mundo del jazz y el funk. Entre 1972 y 1978 estudió trombón clásico en el colegio de música de Karlstad y en la universidad en Arvika. Tras conocer al pionero del jazz-folk sueco Bengt-Arne Walling así como al trombonista Eje Thelin, dio un giro a sus intereses musicales de lo estrictamente clásico hacia la improvisación, dando así comienzo al desarrollo de su estilo y mundo propio que tantos exitos le han reportado. Tras su graduación, Nils se mudó a Estocolmo para trabajar como trobonista profesional. Pronto hizo giras con la exitoso estrella del pop sueco Bjorn Skifs cuyo album "Blue Swede" alcanzó el número uno de ventas en U.S.
En una ocasión, Esbjorn Svensson, al ser preguntado sobre sus albumes de musica tradicional sueca junto a Nils Landgren (Layers of light y este que hoy nos ocupa), respondió que nunca le había influido realmente, que la grabación respondía al deseo del productor. Dijo que nunca le había interesado la música tradicional porque los músicos tradicionales la interpretaban muy mal pero que al acercarse a ella había descubierto la gran riqueza musical que tenía (entrevista completa aquí)
En resumen, interesante album, que explora las posibilidades de la música tradicional y la sonoridad del jazz, con un enorme trabajo por parte de ambos músicos

Nils Landgren and Esbjorn Svensson - Swedish Folk Modern (1988)

Michel Legrand - Legrand Jazz (1958)

Tras terminarme "How my heart sings", la biografía sobre Bill Evans escrita por el pianista Peter Pettinger intenté conseguir los discos de Bill Evans que no forman parte de su discografía "habitual", ya sea porque estaba como "sideman", o en formaciones poco habituales (en una carrera tan copada por el trío, los cuartetos y quintetos conforman una rareza).
En este caso nos ocupamos de un disco bastante conocido en el que Bill Evans es solamente uno de los pianistas participantes, se trata de el trabajo dirigido y arreglado por el músico francés Michel Legrand en 1958 para Columbia y que cuenta con una impresionante plantilla de músicos:
  • Bajo - George Duvivier (tracks: A2, A4, B2, B4) , Milt Hinton (tracks: A3, A5, B5) , Paul Chambers (3) (tracks: A1, A6, B1, B3)
  • Bajo, Tuba - Major Holley (tracks: A2, A4, B2, B4)
  • Batería - Don Lamond (tracks: A2, A4, B2, B4) , Kenny Dennis (tracks: A1, A6, B1, B3) , Osie Johnson (tracks: A3, A5, B5)
  • Flauta - Herbie Mann (tracks: A1, A2, A4, A6, B1 to B4)
  • French Horn - James Buffington* (tracks: A3, A5, B5)
  • Guitarra - Barry Galbraith (tracks: A1, A6, B1, B3)
  • Harpa - Betty Glamann (tracks: A1, A6, B1, B3)
  • Piano - Bill Evans (tracks: A1, A6, B1, B3) , Hank Jones (tracks: A2, A4, B2, B4) , Nat Pierce (tracks: A3, A5, B5)
  • Saxofón [Alto] - Gene Quill (tracks: A3, A5, B5) , Phil Woods (tracks: A1, A3, A5, A6, B1, B3, B6) , Phil Woods (tracks: A3, A5, B5)
  • Saxofón [Baritono] - Teo Macero (tracks: A3, A5, B5)
  • Saxofón[Baritono], Clarinet [Bass] - Jerome Richardson (tracks: A1, A6, B1, B3)
  • Saxofón [Tenor] - Ben Webster (tracks: A2, A4, B2, B4) , John Coltrane (tracks: A1, A6, B1, B3) , Seldon Powell (tracks: A3, A5, B5)
  • Trombón - Billy Byers (tracks: A2, A4, B2, B4) , Eddie Bert (tracks: A2, A4, B2, B4) , Frank Rehak (tracks: A2 to A5, B2, B4) , Jimmy Cleveland (tracks: A2, A3 to A5, B2, B4, B5) , Jimmy Cleveland (tracks: A3, A5, B5)
  • Trompeta- Art Farmer (tracks: A3, A5, B5) , Donald Byrd (tracks: A3, A5, B5) , Ernie Royal (tracks: A3, A5, B5) , Joe Wilder (tracks: A3, A5, B5) , Miles Davis (tracks: A1, A6, B1, B3)
  • Vibrafono - Don Elliot (tracks: A3, A5, B5) , Eddie Costa (tracks: A1, A6, B1, B3)
Mi cariño por este disco se debe a la increíble cantidad de músicos de primera línea que consiguió unir y que permite ver (escuchar) a Bill Evans en el papel al que menos acostumbrados nos tiene dado su amplia discografía como lider de grupos mínimos (solista, dúos y trios).

Michel Legrand - Legrand Jazz (1958)

Dizzy Gillespie and his Orchestra - Afro (1954)

En uno de los primeros posts de este blog hablaba de la banda sonora que Dizzy Gillespie compuso para la película "El invierno en Lisboa" (basada en el libro de Muñoz Molina) y hablaba de su gran contribución al jazz moderno a través de la creación del be-bop junto a Charlie Parker.
Otra de las grandes aportaciones de Charlie Parker es la fusión de la musica afrocubana con el jazz norteamericano que realizó desde finales de los años 40 en adelante. Este disco es una gran muestra de esa fusión, grabado junto a su explosiva orquesta en pleno exito de critica y publico y que muestra el tremendo amor de Dizzy por la música cubana. Los percusionistas cubanos Mongo Santamaria, Rafael Miranda y Ubaldo Nieto son una clara muestra de ello y ademas cuentan con los espectacilares arreglos de Chico O'Farrill.
Ciertamente se trata de un disco de una potencia asombrosa, facil de escuchar y representativo de la fusión que realizo este grandísimo trompetista nortemericano.

Dizzy Gillespie and his Orchestra - Afro (1954)

BILL EVANS & BOB BROOKMEYER: The Ivory Hunters-Double Barrelled Piano (1959)

Finalizados los San Fermines y una vez cantado el "Pobre de mí" parece que ya puedo continuar posteando discos. Y continuando con los discos del maestro Bill Evans que no suelen aparecer como típicos en su discografía aquí llega "The Ivory Hunters".
Es un disco atípico publicado en 1959 por "Blue Note", atípico ya que nos encontramos un dúo de pianos, acompañados de bajo y batería. Atípico también al ser el acompañante de Bill Evans al piano un trombonista (y aún más por tratarse de uno de los pocos casos en los que un músico de jazz eligió el trombón de pistones como instrumento de su carrera).
El trombonista fue uno de los primeros amigos de Evans en Nueva York, habían compartido varias sesiones de estudio y a finales de los 50 Bill formaba parte de su cuarteto en el "Half Note", en marzo de 1959 "United Artists" programó una grabacíon a cuatro para el cuarteto pero durante la primera sesión de grabación los resultados no fueron satisfactorios y al finalizar la sesión ambos tocaron una versión a 4 manos de "Whispering-Groovin' High" que probablamente no fue grabada. Al llegar al estudio la mañana siguiente se encontraron dos pianos de cola enfrentados, sorpresa preparada por el productor Jack Lewis, y a sus compañeros de cuarteto listos para grabar. Esta idea del productor tuvo la culpa del nacimiento de "The Ivory Hunters: Double Barrelled Pianos" y abrió la mente de Bill Evans a nuevas ideas que el pianista acabaria plasmando en la serie "Conversations with myself"(1963), "Further Conversations with Myself" (1967) y "New Conversations with Myself" (1978) en las que Evans experimenta con varias capas de piano tocadas por el mismo.
Si algo caracteriza el disco es la frescura e improvisación que emana, así como la sensación de que todo el mundo se lo esta pasando en grande, lanzándose preguntas y respuestas continuamente y usando todo tipo de trucos para dinamizar los temas. Bill describía el sonido de su compañero como un prisma que no refleja la realidad de forma exacta sino un tanto deformada. Ciertamente es un disco maravilloso y tremendamente original que deja al descubierto el enorme talento de estos músicos así como la visión de futuro que tuvo Jack Lewis confiando en estos músicos.
(la foto, obtenida del New York Times aunque desconozco al autor, retrata a Bob Brookmeyer junto al Gerry Mulligan y Bill Crow en un concierto del cuarteto de Mulligan en 1953)

BILL EVANS & BOB BROOKMEYER: The Ivory Hunters-Double Barrelled Piano (1959)

CHUCHO VALDES: Solo Live in New York (2001)

Hijo del grandísimo referente de la música cubana Bebo Valdés, Chucho es uno de los pianistas de latin jazz más afamados, dotado de una técnica prodigiosa y una mente espactacularmente abierta a las influencias musicales. Si alguien dijo que le gustaba la música que le asombraba, Chucho Valdes consigue que el espectador se encuentre en un continuo estado de asombro.
Su música es moderna y vanguardista, influida por los jazzeros modernos pero con unas raíces tremendamente hundidas en su Cuba natal. Sorprenden sus originales arreglos de piezas tradicionales cubanas y su habilidad para que, toque el tipo de musica que toque, el "son" siempre esté presente. En una interesante entrevista (aqui) habla de la raíz de la musica cubana, esa base ritmica tan africana y española y a su vez del incalculable legado rítmico dejado por los árabes en España durante la epoca de Al-Andalus y de como todo eso repercute sobre la música cubana, los tambores africanos que la tradición cubana supo mantener y asumir.
Con solo 14 años comenzó su carrera como pianista en la orquesta "Sabor de Cuba" que dirigía su padre y posteriormente fundó Irakere, grupo con con el cual desarrollo una exitosa labor de recuperación de la música tradicional cubana. Su explosión internacional llegó a raiz del festival Jazz Jamboree de Varsovia de 1970 donde fue reconocido como el mayor exponente del jazz cubano.
Este disco recoge una actuación del pianista en solitario en Nueva York, donde asombra a un publico ya entregado desde el comienzo. En un principio se puede pensar que Chucho no sera capaz de mantener ese pulso que caracteriza la música cubana sin una sección rítmica que le acompañe, pero nada más escuchar las primeras notas se puede admirar que sí, y además con una maestría que muchos para si quisieran.

foto: Chucho Valdes y Javier Colina en el festival JazzFermin 2007 en homenaje a Tete Montoliu, Iruña

CHUCHO VALDES: Solo Live in New York (2001)

OST CRUMB (Terry Zwigoff, 1994)

"Cuando escucho música antigua es una de las pocas veces en que tengo amor por la humanidad. Escuchas la mejor parte del alma de la gente común. Es el modo en que expresan... su conexión con la eternidad o como quieras llamarlo. La música moderna no tiene ese sentido de pérdida trágica. La gente ya no sabe expresarse de esta forma." (Robert Crumb)
Robert Crumb es un artista e ilustrador norteamericano, padre fundador del comic underground y uno de los más conocidos autores de comic aunque su carrera siempre se movió al margen de esta industria. Su interés en el comic se lo inculcó su hermano Charles quien le obligaba a dibujar uno tras otro junto a el, para luego venderlos por el vecindario. Se trasladó a Ohio para trabajar como dibujante de tarjetas de felicitación cuando contaba con 19 años y posteriormente a San Francisco en pleno auge del "flower power" a pesar de que nunca fue capaz de adaptarse.
Dibujar era su forma de demostrar al mundo que era alguien con talento y no unicamente el adolescente marginado que se iba al barrio negro de la ciudad para adquirir antiguos vinilos de blues. En 1968 fue requerido por Janis Joplin para dibujar la portada de Cheap Thrills mientras trabajaba en varias revistas underground, creando personajes que se convirtieron en autenticos iconos de la contracultura. Ya había alcanzado el reconocimiento general, pero no se encontró con lo que el pensaba así que se trasladó a una apartada granja y rechazo todo aquello que le proponían que le parecía venderse como acudir a la televisión o dibujar una portada para los Rolling Stones (lo cual le hubiera reportado grandes beneficios).
En 1994 el director de cine Terry Zwigoff (amigo de Crumb) grabó un documental en el que se profundiza en las complicadas relaciones de Robert con las mujeres y los problemas mentales de sus hermanos, temas recurrentes en sus comics. Crumb y Zwigoff habían pertenecido a la banda The Cheap Suit Serenaders que grabó 3 discos, y eran compulsivos coleccionistas de blues rural así que la música tiene un importante papel en la obra. La musica de Crumb es jazz, blues y ragtime, en ocasiones son canciones originales (como la version de 1930 de King Oliver "Shake It and Break It" y "Last Kind Word Blues" de Geechie Wiley) y otras veces versiones grabadas para la banda sonora por el pianista de Lousiana David Boeddinghaus y el guitarrista Craig Ventresco.

OST CRUMB (Terry Zwigoff, 1994)

Y aquí el documental, documento imprescindible para comprender su obra

XIMO TEBAR with Dr. Lonnie Smith & Idris Muhammad featuring Lou Donaldson: The Jazz Guitar Trio Vol. 3, Goes Blue (1998)

Hace ya unos años, acudí a un concierto de un guitarrista (practicamente desconocido para mi en ese momento excepto por alguna referencia de alguna revista) en el festival de jazz de Jaca. El guitarrista en cuestión se llamaba Ximo Tebar y nos dejó una actuación electrizante así que al concluir el concierto compré los discos que había disponibles en la propia sala de los cuales me maravilló especialmente "Goes Blue" grabado en directo en un estudio madrileño en el año 98.
Ximo Tebar, nace en Valencia en 1963, comienza a tocar la guitarra a los siete años y a los diecisiete decide dedicarse profesionalmente a la música. Desde entonces, ha realizado giras y grabaciones por España, Europa y América liderando su propio grupo "XIMO TEBAR BAND" o junto a prestigiosos músicos como: Johnny Griffin, Benny Golson, Tete Montoliu, Lou Bennett, Lou Donaldson, Louie Bellson, Joey DeFrancesco, Jan Ackerman, etc.
Ximo Tebar, es el músico español que más premios ha obtenido en los últimos años, de entre ellos, cabe destacar el premio al MEJOR SOLISTA de la Muestra Nacional de Jazz, otorgado por el Ministerio de Cultura, durante dos años consecutivos (1989-90). En Mayo de 1992, graba en directo junto a Lou Bennett (órgano) e Idris Muhammad (batería), su quinto disco como líder, titulado "Hello Mr. Bennett", inaugurando una colección de discos en trío (guitarra, órgano y batería) bajo el titulo genérico "The Jazz Guitar Trío".
El disco "Goes Blue" pertenece a esta colección, en concreto se trata del tercer volumen y cuenta con la presencia en el órgano Hammond B3 de Lonnie Smith y con Idris Muhammad a la batería. Además, el genial saxofonista Lou Donaldson colabora en 3 temas: Laura, el tema que inmortalizó Don Byas y las conocidas composiciones del propio Lou, Midnight Creeper y Blues Walk. Lou Donaldson, que había estado colaborando con el trío en un tour en 1997, acudió al estudio con ellos para escucharles grabar y a petición del grupo grabó esos 3 magníficos temas.

XIMO TEBAR with Dr. Lonnie Smith & Idris Muhammad featuring Lou Donaldson: The Jazz Guitar Trio Vol. 3, Goes Blue (1998)

"Ximo is a new trailblazer for jazz guitar and a major new voice for the classic organ trio. He has a fresh approach to single.lines. His ideas are mever boring and his powerhouse technique is inspiring, His destiny is apparent from the moment you hear him play. The amazing thing is tha Ximo was born and raised in Spain, which makes him a phenomenon." (George Benson)

SINAN ALIMANOVIC QUINTET: Sarajevo Remake (2003)

Una de las ventajas de escuchar una música global como es el jazz (y su rural hermano, el blues) es que su influencia se extiende a todos los rincones del planeta. Es posible escuchar jazz en muchísimos lugares, y en cada uno de ellos tiene un sabor distinto, marcado por la tradición del lugar, como si fueran simplemente variados dialectos de una misma lengua. Y por eso suelo aprovechar mis viajes para conseguir música que sería extremadamente complicada de escuchar fuera de su país de origen. En este caso se trata del quinteto de Sinan Alimanovic, pianista y organista bosnio y su disco "Sarajevo Remake", disco que adquirí hace un par de años en Sarajevo.
Es francamente complicado conseguir información sobre el grupo (el libreto del disco esta en bosnio, o serbocroata) y la información que se puede conseguir en Internet es bastante exigua. El quinteto esta formado por:
Sinan Alimanovic
(piano, Hammond B-3),
Goce Dimitrovski
(trumpet, flugelhorn),
Milorad Sule Jovovic
(guitar),Dinko Simunovic (contrabass)
Faik Lacevic (drums
)
Los años 60 y 70 fueron una mala época para el jazz bosnio, exceptuando algun grupo suelto, hasta la aparición de Sinan Alimanovic a finales de los 70, cuando decidió abandonar su Pristina natal para dirigirse a Sarajevo para trabajar en la Dance Orchestra de la radio de la ciudad. Fundó una banda que era cuarteto, quinteto o septeto dependiendo de la situación e hizo que los clubs de jazz de Sarajevo abrieran de nuevo sus puertas. (bio completa).
En el disco se mezclan standards como "Autumn leaves" o "Solar" con arreglos del pianista a temas tradicionales bosnios "Snijeg pade na behar" y temas propios del quinteto, como el que da nombre al disco.

SINAN ALIMANOVIC QUINTET: Sarajevo Remake

FLORIN RADUCANU: Back to Bach: Veneratie - Ave Maria

Siguiendo con viajes musicales, aquí esta Florin Raducanu, uno de los mejores pianistas rumanos en su personal tributo a la música que le ha influenciado: Johann Sebastian Bach, Bill Evans, Thelonious Monk, Charlie Parker...
Se trata de un disco en directo que comienza con "Round Midnight" arreglada para una mano izquierda Bachiana consiguiendo un interesante efecto de clasicismo barroco unido a la sobriedad de Mr. Monk. Las dos siguientes obras son medleys de obras suyas y de conocidos autores como el "Waltz for Debbie" de Evans y "Billie's Bounce" de Charlie "Bird" Parker. Termina con una composición propia llamada "Veneratie - Ave Maria" en claro homenaje a Bach, llena de fuerza y dinamismo.
Del pianista en sí poco he podido averiguar si exceptuamos lo que se podía leer en el libreto del disco (en rumano, of course). Nacido en Targoviste hace 35 años, fue alumno de Mircea Tiberian (genial pianista del cual colgaré un disco en breve) y ha recibido importantes premios en su país.
Es ciertamente un disco que merece la pena si disfrutas con la expresividad del piano solo, con ese "sense of oneness" del que tanto disertaba el maestro Bill Evans y de la virtuosidad de Raducanu (no confundir con el anciano pianista rumano Johnny Raducanu).

BILL EVANS & EDDIE GOMEZ: Intuition (1974)

Saliéndome un poco de los discos poco habituales que he ido encontrando en mis viajes, aquí va un clásico como Bill Evans junto a uno de sus bajistas estrella Eddie Gomez. Hay pocas combinaciones piano/contrabajo tan fructíferas y compenetradas en la historia de la música (exceptuando quizás Bill Evans/Scott laFaro y Keith Jarrett/Gary Peacock).
Eddie Gomez es un contrabajista puertorriqueño que formó parte del trio de Bill Evans tras el famoso Evans/laFaro/Motian y evans/Israels/Motian que grabó dos magníficos discos a duo con el pianista: este "Intuition" de 1974 y "Montreux III" en directo en el festival de jazz en 1975. Cabe destacar su grandísima flexibilidad rítmica, su adaptación a los cambios propuestos por Evans y su firmeza para llevar el peso melódico en determinadas ocasiones. Tambien sobresale su improvisación en los registros agudos del contrabajo y su fluidez como de intrumento de viento, características que ayudaron a que encajara perfectamente en el papel de "bajista de Bill Evans", es decir, que no se limitaba a llevar el pulso y marcar las notas sino que era capaz de crear una segunda voz que se entretejiera con el piano sin dejar de acompañar.
En este disco, Bill Evans mezcla el uso del piano acustico con el del piano electrico con el que tanto le gustaba experimentar, en ocasiones se puede escuchar como usa el piano acustico para el acompañamiento y el electrico para la melodía.

BILL EVANS & EDDIE GOMEZ: Intuition (1974)

JOE GORDON & SCOTT LaFARO: West Coast Days - Live at the Lighthouse, Hermosa Beach, California (1958)

Scott LaFaro es uno de los más grandes contrabajistas de la historia del jazz, conocido por su fulgurante paso por el trio de Bill Evans entre 1959 y 1961, años en los que la alianza de Evans, LaFaro y Motian provocó una revolución del concepto de trio de jazz y del papel de cada uno de los músicos en esa formación, desterrando la idea de que la bateria y el contrabajo son una mera base rítmica para que se explaye el solista.
Scott laFaro cambió el mundo del contrabajo a pesar de tener muy poco tiempo para ello ya que murió en 1961 a los 25 años cuando acudía a un ensayo con el trio tras acompañar a Stan Getz en un concierto en el festival de jazz de Newport. Durante los escasos 2 años de colaboración el trio dio a luz tres maravillosos discos: "Portrait in jazz", "Explorations" y "Live at the Village Vanguard" del cual se extrajeron los albumes "Waltz for Debbie" y "Sunday at the Village Vanguard". Sin embargo, la creatividad de Scott daba para mucho más y, a pesar de ser especialmente recordado por su asociación junto a Bill Evans y su prematura muerte, colaboró con muchos grandes del jazz. Como muestra, sus discos junto a Chet Baker (The 2 Trumpet Geniuses of the Fifties), Stan Getz (Stan the man), Tonny Scott (Dedications, Sung Heroes), Ornette Coleman (Free jazz, Ornette!), Miles Davis (Tune Up!), Hampton Hawes (For Real!, Blues the Most).
A finales de los años 50, Scott trabajaba junto al guitarrista Barney Kessel en el Lighthouse de Hermosa Beach, hasta que en 1959 salió a la carretera junto a Benny Goodman. Tras ellos se estrableció en Nueva York donde formó su propio trio y trabajó con gente como Stan Getz hasta que conoció a Bill Evans. Fue durante los años en California cuando se grabó este disco junto al trompetista originario de Boston Joe Gordon. Éste trabajó con músicos de la talla de Charlie Parker, Lionel Hampton, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk pero su prematura muerte a los 35 años truncó una prometedora carrera.
Este disco recoge la actuación de 2 grandes que se fueron antes de tiempo, sin tiempo para dejar constancia de todo lo que eran capaces, pero suficiente como para dejar una huella imborrable en la historia del jazz.

JOE GORDON & SCOTT LaFARO: West Coast Days - Live at the Lighthouse, Hermosa Beach, California (1958)